Einen prägenden Einfluss schon auf ihre frühesten Werke hat der Polnische Kolorismus, dessen Hauptvertreter Józef Pankiewicz (1866-1940) und sein Schüler Jan Cybis (1897-1972) in Paris die Kunstbewegung des Kapismus (Abk. für Pariser Komitee der Krakauer Akademie) mitbegründet hatten. Deren ästhetische Vorstellungen von der Unabhängigkeit der Malerei, ihrer daraus resultierenden Vorliebe für politisch-gesellschaftlich neutrale Themen, dem Primat der subjektiven Auseinandersetzung des Künstlers mit seinem Motiv, vor allem aber die Dominanz der Farbwirkung beherrschten die polnische Malerei der 30er und 40er Jahre und blieben auch für die nachfolgenden Künstlergenerationen in Polen wegweisend.

Jan Cybis, auf den sich Mauga explizit bezieht, formulierte den Anspruch der Kunstbewegung mit folgenden Worten:

„Das Kunstwerk besteht an und für sich. (…) Daher ist das Gemälde nicht ein Dokument der Ähnlichkeit, sondern ein Spiel der künstlerischen Beziehungen und Handlungen, die uns die Natur zu begreifen ermöglicht.“ [Jan Cybis in der Zeitschrift „GłosPlastyków“, 1931, Nr. 12]

Nach anfänglichem Einfluss des Expressionismus beschäftigte Jan Cybis zunehmend die auf Farbwirkungen und Farbstimmungen fokussierte Malerei, wie sie in den Werken von Cézanne, Bonnard und Vuillard zum Ausdruck kam, die sich längst der akademischen Regeln entledigt hatten. Maugas Kunst wurde seit ihrer Gymnasialzeit von Jan Cybis‘ Kolorismus geprägt, wie ein frühes Stillleben belegt (Abb. auf dem rückwärtigen Einband). Bereits hier zeigt sich zudem ihre bis heute anhaltende Vorliebe für das Spiel mit Komplementärkontrasten.

Maugas Werk von seinen Anfängen bis heute ist von figurativen Arbeiten und vom klassischen künstlerischen Handwerk geprägt. Zeichnung und Linie sind für sie von hoher Wichtigkeit, wie einst von Prof. Alojza Zacharska in Polen und Prof. Waltraud Zeiser in Krefeld vermittelt. Während ihre beiden Professorinnen in Ost und West in der Ausbildung einen vergleichbaren Ansatz vertraten, wurde Mauga in Deutschland auch mit einer gänzlich anderen, sehr progressiven Kunstauffassung konfrontiert, die für ihre künstlerische Erfahrungswelt einen Bruch bedeutete.

Von diesen Tendenzen ließ sich Mauga jedoch nicht von ihrem eigenen Weg abbringen. Sie blieb ihren Empfindungen treu. Zeitlebens arbeitet sie gegenständlich, wenn auch zuweilen so stark abstrahierend, dass es nahezu abstrakt wirkt. Ausgehend vom Konvolut ihrer Akademiemappe zieht sich im Pinselduktus und in der Farbigkeit bis heute ein roter Faden durch ihr umfangreiches Werk, dem sie mit freudvollem Experimentieren viele Facetten verleiht.

Maugas Kunst lebt von ausdrucksstarken Farben und Linien, die allerdings nicht immer im Zusammenspiel auftreten: Es gibt auch Bilder ohne Buntfarbe sowie Bilder ohne Linie.

Auffällig ist ihre Vorliebe für die Komplementärkontraste Rot-Grün und Gelb-Blau, aber auch für einen Bildaufbau aus nur zwei bis drei dominanten Farben, wobei kühle und warme Töne kombiniert werden und der Farbauftrag von zart lasierend bis pastos reicht.

Mauga wählt die Farben gänzlich „aus dem Bauch heraus“, losgelöst von der Realität ihres Bildmotivs. Sehr eindrucksvoll dokumentieren dies Fotos, die Mauga malend im Freien zeigen: Aus einer eher verhaltenen Farbigkeit ihrer Umgebung entstehen expressive Farbexplosionen auf Papier und Leinwand. In der unbesiedelten Landschaft oder in Ortschaften stehend erfasst sie die Atmosphäre und setzt auch Geräusche von Wasser, Wind, menschlichen Stimmen oder Musik bildlich um. Mauga hat von Jugend an mit Vorliebe im Freien gearbeitet und auch ihr häusliches Atelier auf Terrasse und Garten ausgedehnt. Im Freien arbeitet sie sehr intuitiv und erzeugt mit Farbe Stimmungen, im Atelier dienen ihr die draußen angefertigten Aquarellskizzen als Stütze.

Der Strahlkraft ihrer Farben ist die schwarze Linie absolut ebenbürtig. Mauga zeichnet und malt gleichermaßen gerne und intensiv in Schwarz-Weiß und erzielt durch die Farbreduzierung stärkere Kontraste. Das schwarze Lineament und schattige Flächen erzeugen im Zusammenspiel mit dem Weiß des Bildträgers oft skizzenhafte und doch bis ins Detail eindringliche Szenen.

Typisch für Mauga ist aber auch die Kombination von Farbe und Linie, indem sie inmitten starkfarbiger Flächen eine schwarze Binnenzeichnung anlegt, die von zartem Geflecht bis hin zu kräftigen Strichen changiert. Und mit sehr breiten schwarzen Linien hat sie 2002 ihre Serie farbiger Stillleben gleichsam eingerahmt.

Bei aller Konstanz reizt Mauga das Experimentieren. Sie lässt sich vom Bildformat und vom Bildträger herausfordern: So entsteht eine umfangreiche Serie sehr schmaler Hochrechtecke, immer wieder Quadrate, sie gestaltet 2005 den achtzig Quadratmeter großen Tanzboden für die im Rahmen der Reihe „Fused – Tanzkunst in Krefeld“ aufgeführte Choreographie „Inner landscapes“, sie malt während eines Künstler-Symposiums 2016 auf vor Ort mit Farbspuren vorgefundene Holzplatten „On the road“, 2020 pinselt sie mit schwarzer Tusche auf Toilettenpapierstreifen die Serie „CloronArt“, und auf einer Skandinavien-Reise entsteht 2022 während der Autofahrtein fünfzig Meter langes Landschafts-Rollenbild auf Papier.

Maugas Vorliebe gilt aber eindeutig dem Quadrat, mit dem sie unter Künstlern und Künstlerinnen der Polnischen Schule „aneckt“, auf Widerstand stößt. Insbesondere mit den Maßen 140x140 cm ist das Quadrat für Mauga wie ein Partner, den sie mit ausgestreckten Armen gerade noch zwischen ihren Händen halten kann, und mit dem sie in Dialog tritt.

Thematisch ist die Landschaft mit ihren unermesslichen Naturerscheinungen für Mauga unerschöpflich. Vor allem die nordische Landschaft, die sie jedes Jahr bis hoch nach Kirkenes bereist, mit ihrem „wahnsinnigen Nichts“, in ihrer Reduktion und Weite, in der die Luftperspektive nicht funktioniert, so dass man schwerlich zwischen Nah und Fern unterscheiden kann, und wo die Polarlichter irrlichtern.

Bei der Darstellung von Architektur reizt Mauga das Spiel von kubischen und flächigen Elementen, denen sie mit zügigen Pinselstrichen eine lebendige Oberfläche verleiht. Den Straßen, Monumenten, Häusern, Zimmerwänden, Treppen, Zäunen, Türen und Toren haucht sie Leben ein, sie scheinen sich zu bewegen oder zumindest zu pulsieren. Figuren erscheinen hier eher schemenhaft, wenn überhaupt.

Menschen im öffentlichen Raum, Passanten, können ihren künstlerischen Prozess jederzeit unvorhergesehen beeinflussen. Vor allem Straßenmusiker erzeugen eine Atmosphäre, die auch Maugas Bewegung beim Zeichnen verändert. Sie malt Musik im Moment ihres Erklingens, sogar im Konzertsaal. In ihren über viele Jahre entstandenen Bildern mit Musikanten sowie dem 2020 gemalten Zyklus zu Robert Norths Beethoven-Ballett geht es allerdings nicht um die Musik als solche, sondern um das, was Musik mit den Menschen macht. Es geht um Bewegung, Tanzen, Stimmungen, Atmosphäre, zu der auch Lampions, abgestellte Fahrräder usw. beitragen.

Mit ihren unterschiedlichen Themen befasst sich Mauga sowohl intellektuell-reflexiv als auch emotional und bearbeitet sie gerne projektbezogen und in Serien über mehrere Jahre. In ihrem Zyklus „Sag Nein zu Krieg“ lässt sie sich 2015 von der Trümmerliteratur Wolfgang Borcherts berühren („Er hatte die Augen zu“, „Nachts“). Ihre Menschenbilder zeigen neben individuellen Portraits und Akten allgemein bedeutsame menschliche Themen und Befindlichkeiten, wie Verbundenheit, Einsamkeit, Verletzlichkeit, Demut und Hoffnung, und zuweilen auch Humor („Badenixen am Ostseestrand“). 2019/20 sucht sie mit „Parkschein II“ die Interaktion mit dem Publikum im offenen Raum. Eine hohe Priorität hat für sie die Auseinandersetzung mit Frauenthemen, etwa 2021 mit der bewusst im starken Schwarz-Weiß-Kontrast gehaltenen Serie „Frauen zeigen Gesicht“ oder 2022 „Frauen erobern den Raum“ („Is was“, „Was tun“) und ganz aktuell mit Frauen im Iran.

Der Poesie der von ihr geliebten Mohnblumen und deren schnell vergänglichen Schönheit widmet sie sich alljährlich zwei Wochen lang intensiv in ihrem Garten, ohne mit den kraftvoll aufplatzenden und temperamentvoll wogenden Blütenblättern auch nur ansatzweise ins Dekorative zu gleiten.

Starke autobiografische Bezüge haben die Bilder aus Schlesien, ihrer einstigen Heimat, die Mauga bis heute mehrfach im Jahr aufsucht. Dort liegt auch der Wallfahrtsort St. Annaberg, einst Ziel vieler Fahrradausflüge ihrer Kindheit.

Ein schmerzliches Kapitel der eigenen Familiengeschichte erzählen die drei Schwarz-Weiß-Gemälde „Stuhl I-III“ aus dem Jahr 2014. Sie sind die Essenz von rund 200 Bildern, in denen sich Mauga mit der Geschichte dreier Generationen befasst hat. Jeder Stuhl personifiziert eine Frau ihrer Herkunftsfamilie: der altmodische thronartige Sessel verkörpert ihre Großmutter, der Stuhl im Bauhausstil, den die Familie selbst entworfen hat und der noch existiert, steht für ihre Mutter. Für sich selbst hat Mauga einen ganz schlichten Stuhl gewählt. Während ihr eigener Stuhl dem Betrachter die Rückenlehne zuwendet, sie also gleichsam noch ins Leben schauen lässt, präsentieren der Stuhl der verstorbenen Mutter und der Sessel der Großmutter die leere Sitzfläche: In einem solchen Sessel ist die Großmutter im Beisein ihrer elfjährigen Tochter, also Maugas Mutter, 1945 von Soldaten erschossen worden. Wie Schattengeister erscheinen die Frauen schemenhaft hinter den Sitzmöbeln. In Vorstudien und Varianten des Gemäldes verweist ein kleiner blutroter Fleck auf Brusthöhe der Sessellehne auf das traumatisierende Ereignis, über das - wie in vielen anderen Familien auch - weniger gesprochen als geschwiegen worden ist.

Mit ihrer einstigen Heimat ist Mauga nicht nur durch Erinnerungen und Reisen verbunden, sondern auch durch Kooperationen mit polnischen Kollegen und Kolleginnen aus dem Bereich der bildenden Kunst und Literatur sowie durch die Teilnahme an Ausstellungen in Polen.

Der rote Faden ihres Lebens und ihres Werks erstreckt sich somit über sechs Jahrzehnte und über Grenzen hinweg. Es ist ein permanentes Wechselspiel zwischen SUCHEN, HINSCHAUEN und FINDEN.

Wenn sie zeichnet und malt, geht das „durch sie hindurch“ und „bleibt in ihr haften“, erklärt sie. Die Intensität, mit der Mauga sich auf die Welt und ihre Erscheinungsformen einlässt, führt zu ihrem beglückenden Bekenntnis, dass sie sich bis heute in allen ihren Werken zu hundert Prozent wiederfindet und dass sie noch unendlich viel vor sich hat.

Diese Motive dienen freilich mehr der malerischen Potenz, als dass sie diese verunsichern könnten. Es ist vielmehr so, dass das malerische Wollen die Motive instrumentalisiert, sie also interpretiert und zu einer Vorstellung innerer Anschauung der Künstlerin macht. In dieser Sehweise steht Mauga der Tradition der expressiven Moderne nahe. So weit ist Maugas Malerei gut zu verstehen und einzuordnen. Sie besitzt schon an dieser Stelle der Betrachtung eine so große Überzeugungskraft, dass man sie schon mag, oder eben nicht.

Neben dem leidenschaftlich Malerischen und den Motiven jedoch kommt etwas Drittes, sehr Bemerkenswertes hinzu, was diesen Bildern eine dauerhafte Energie und damit  Mittelbarkeit verleiht.

Die Rede ist von zahlreichen und abenteuerlichen Binnenstrukturen, von Bildern im Bild sozusagen. Da ist zunächst das Grafische; kleine, grafische Elemente, die mal tatsächlich mit Kreide ihren Platz finden, aber auch mit dem Pinsel Gestalt werden. Dies ist immer dann der Fall, wenn Mauga einzelne Farbfelder, die naturgemäß  nicht selten motivisch gebunden sind, mit unterschiedlichsten spontanen „Binnengemälden“ kombiniert. Dadurch gerät der große malerische Wurf in einen spannungsvollen Konflikt mit der einer Pinseletüde hier und einer notwenig gewordenen Kreideeinzeichnung da. Dann bekommen Farbfelder Risse, Orientierung, Patina und werden zu Funktionen des Bildwollens, auch im Detail. Das Plakative des ersten Schauens erfährt darin einen Grund, eine gleichsam nachgeliefert zwingende Kausalität.

Wer das sieht, dem wird auch schnell klar, warum diese Künstlerin Motive braucht, wo sie doch die Farben an sich und den Duktus, den unmittelbaren Ausdruck so braucht und liebt, kurzum,  warum diese Bilder nicht abstrakt sind. Es ist so, dass das Motiv vermitteln muss. Es muss vermitteln zwischen dem Großen und dem Kleinen, zwischen der Wirklichkeit draußen und der Befindlichkeit innen, zwischen dem ganzen Bild und den Bildern in diesem Bild. Dieses Schauen erinnert uns daran, dass die Anschauung der physischen Welt eine Form der Einverleibung ist, eine Form der sinnlichen Vereinnahmung und dass die Dinge weder so sind wie sie beschrieben werden, noch so, wie sie aussehen. Sie sind die Funktion unserer Vorstellung. In den Bildern sind sie die Funktion von Maugas Vorstellung als bildnerischer Auswurf.

Was passiere, wenn sie nicht male, fragte ich sie. Sie bekomme schlechte Laune, antwortete sie. Das Bunte dieser Bilder ist also keineswegs Abbild einer Gute-Laune-Weltsicht, sondern ein Arbeitssieg, der durch Anschauung und Arbeit Weltsicht schafft, in der Innen und Außen, Selbst und Seiendes zur Einheit werden.

Ist das nicht genau das, was Kunst leisten muss ... ? Muss Kunst nicht die Differenz zwischen dem Ich und der Welt ästhetisch bewältigen? Anders: Wollen wir nicht alle Privates mit Öffentlichem bestmöglich, also auch gefällig verbinden? Wohl! Und wie gut können das Bilder! Und dies leisten diese Bilder. Sie sind laut im Antritt, eloquent und zweifelnd in der Ausführung. Und weil Mauga diesen Spagat malerisch bewältigt, malt sie weiter!

Prof. Dr. Erik Schmidt, Hochschule Niederrhein